Έργα τους έμειναν ανυπόγραφα, παραμελημένα ή αποδόθηκαν επί δεκαετίες και αιώνες σε άνδρες καλλιτέχνες. Σήμερα, όμως, η ιστορία της τέχνης επανεξετάζει πολλές από αυτές τις περιπτώσεις και αποκαθιστά σταδιακά τη συμβολή γυναικών δημιουργών που για χρόνια βρίσκονταν στο περιθώριο.
Χαρακτηριστικό παράδειγμα αποτελεί ο επιβλητικός πίνακας «The Triumph of Bacchus», ο οποίος παρέμενε αθέατος, παραμελημένος και λανθασμένα αποδομένος για αιώνες, μέχρι να αναγνωριστεί ως έργο της Michaelina Wautier, η οποία τιμάται πλέον με μεγάλη έκθεση στη Royal Academy του Λονδίνου.
Η ανακάλυψη που άλλαξε την ιστορία της Michaelina Wautier
Το 1993, ενώ πραγματοποιούσε έρευνα στις αποθήκες του Kunsthistorisches Museum της Βιέννης, η ιστορικός τέχνης Katlijne Van der Stighelen βρέθηκε μπροστά σε έναν μνημειώδη πίνακα με τίτλο «The Triumph of Bacchus», που χρονολογείται μεταξύ 1655 και 1659. Η ίδια έμεινε έκπληκτη. Το ερώτημα ήταν πώς ένα τόσο εντυπωσιακό, ανυπόγραφο έργο είχε παραμείνει για τόσο μεγάλο διάστημα στις αποθήκες ενός μουσείου χωρίς να έχει λάβει τη θέση που του άξιζε. Η απάντηση ήταν ότι το είχε ζωγραφίσει γυναίκα: η Michaelina Wautier.
Επειδή οι γυναίκες συνήθως αποκλείονταν από τα μαθήματα σχεδίου με ζωντανά μοντέλα, είχε θεωρηθεί ότι ο πίνακας ήταν έργο του αδελφού της, Charles. Η Van der Stighelen επισημαίνει ότι στα έργα γυναικών καλλιτεχνών προκύπτουν πολύ συχνά ζητήματα σχετικά με την πατρότητά τους. Όπως εξηγεί η Βελγίδα ιστορικός τέχνης, τα έργα γυναικών είναι συχνότερα ανυπόγραφα, έχουν παραμεληθεί περισσότερο και είναι λιγότερο πιθανό να έχουν καθαριστεί και συντηρηθεί, με αποτέλεσμα να υπάρχουν ελάχιστες πιθανότητες να αποκαλυφθούν «κρυμμένες» υπογραφές. Η τέχνη των γυναικών έχει επί μακρόν υποεκπροσωπηθεί. Ακόμη και σήμερα, οι γυναίκες δημιουργοί αποτελούν μόλις το 1% της συλλογής της National Gallery του Λονδίνου.
Περίπου 150 χρόνια αργότερα, η έκθεση Michaelina Wautier, η οποία ανοίγει στη Royal Academy του Λονδίνου, λειτουργεί ως υπενθύμιση αυτής της ιστορικής αδικίας. Πρόκειται για την πρώτη έκθεση της Φλαμανδής καλλιτέχνιδας στη Βρετανία και για την πληρέστερη μέχρι σήμερα παρουσίαση του έργου της. Η έκθεση εντάσσεται σε μια ευρύτερη τάση, στο πλαίσιο της οποίας οι γυναίκες καλλιτέχνιδες καταλαμβάνουν περισσότερο χώρο στις γκαλερί και διεκδικούν ξανά τη θέση τους στην ιστορία της τέχνης. Το πρώτο βήμα είναι να αναγνωριστεί ότι τα έργα ήταν εξαρχής δικά τους.
1. «The Triumph of Bacchus» της Michaelina Wautier
Ο πίνακας «The Triumph of Bacchus», που κάποτε ανήκε στον αρχιδούκα Leopold Wilhelm της Αυστρίας, είναι τόσο μεγάλος και φιλόδοξος ώστε στις αρχές του 20ού αιώνα ο Gustav Glück, επιμελητής φλαμανδικής ζωγραφικής στο Kunsthistorisches Museum, είχε δηλώσει ότι δεν θα μπορούσε ποτέ να έχει δημιουργηθεί από γυναίκα. Σαν να είχε προβλέψει τέτοιου είδους αμφισβητήσεις, η Wautier είχε συμπεριλάβει τον ίδιο της τον εαυτό στη δεξιά πλευρά του πίνακα. Εμφανίζεται να κοιτάζει ευθεία προς τον θεατή, προκλητική, σχεδόν πολεμική και με γυμνό το στήθος.
Ενώ το συγκεκριμένο έργο αποδόθηκε λανθασμένα στον αδελφό της, άλλοι πίνακές της είχαν αποδοθεί σε διάσημους Φλαμανδούς ζωγράφους όπως ο Anthony van Dyck. Μάλιστα, έργα που σήμερα θεωρούνται δικά της επαναποδόθηκαν στη Wautier ακόμη και τόσο πρόσφατα όσο το 2020.
Η Van der Stighelen αναζητούσε έργο του Van Dyck όταν έκανε την απροσδόκητη ανακάλυψη του «The Triumph of Bacchus». Η Wautier έχει έκτοτε χαρακτηριστεί ως «η σημαντικότερη καλλιτεχνική επανανακάλυψη του αιώνα». Για τη Van der Stighelen, πρόκειται για μια εξαιρετική και πολυσχιδή καλλιτέχνιδα.
Το εύρος του έργου της, που περιλαμβάνει πορτρέτα, ιστορικές σκηνές, νεκρές φύσεις και σκηνές καθημερινής ζωής, μπορούσε, κατά την ίδια, να συγκριθεί μόνο με εκείνο του μεγάλου Φλαμανδού ζωγράφου Peter Paul Rubens. Ο κατάλογος της έκθεσης αναφέρει πλέον ότι το «The Triumph of Bacchus» θεωρείται ένα από τα σημαντικότερα έργα της συλλογής ζωγραφικής του Kunsthistorisches Museum.
2. «Self Portrait as St Catherine of Alexandria» της Artemisia Gentileschi
Η Artemisia Gentileschi, η ιστορία της οποίας ενέπνευσε το μυθιστόρημα Disobedient της Elizabeth Fremantle το 2023, ήταν ακόμη έφηβη όταν άρχισε να ζωγραφίζει τις δυναμικές γυναικείες μορφές που πρωταγωνιστούσαν στους συναισθηματικά φορτισμένους ιστορικούς πίνακές της. Τα έργα της γνώρισαν τεράστια ζήτηση όσο ζούσε.
Ωστόσο, όταν το ενδιαφέρον για το Μπαρόκ υποχώρησε κατά τον 18ο αιώνα, η ίδια πέρασε σταδιακά στην αφάνεια. Πολλά έργα της θεωρήθηκε ότι είχαν δημιουργηθεί από τον πατέρα της, Orazio, ή από τον στενό φίλο του Caravaggio, ο οποίος έγινε διάσημος για τη δραματική χρήση φωτός και σκιάς.
Ο πίνακας Self Portrait as St Catherine of Alexandria δεν αποδόθηκε επίσημα στην Artemisia μέχρι το 2017. Στο έργο, η καλλιτέχνιδα απεικονίζει τον εαυτό της ως την Αγία Αικατερίνη της Αλεξάνδρειας, μάρτυρα του 4ου αιώνα, δίπλα στον τροχό με αιχμές με τον οποίο βασανίστηκε. Η εικόνα παραπέμπει στην προσωπική εμπειρία της Artemisia, η οποία είχε πέσει θύμα βιασμού και βασανίστηκε ενώ αντιμετώπιζε τον δράστη της στο δικαστήριο. Η Katy Hessel γράφει στο βιβλίο The Story of Art Without Men του 2022 ότι οι πίνακες της Gentileschi ενίσχυσαν τον ρόλο των ηρωικών γυναικείων μορφών.
Παράλληλα, η εκδίκηση γυναικών απέναντι σε όσους τις είχαν βλάψει εξελίχθηκε σε επαναλαμβανόμενο θέμα του έργου της. Ο κατάλογος των γνωστών έργων της Artemisia συνεχίζει να μεγαλώνει. Το 2020, κατά τον καθαρισμό του πίνακα David and Goliath, αποκαλύφθηκε η υπογραφή της πάνω στο σπαθί του Δαβίδ. Το 2023, ο πίνακας της Artemisia Susanna and the Elders ανακαλύφθηκε εκ νέου στη Royal Collection. Σε επιστολή της προς τον συλλέκτη Don Antonio Ruffo το 1649, η ίδια είχε γράψει ότι το όνομα μιας γυναίκας προκαλεί αμφιβολίες μέχρι να δει κανείς το έργο της. Αργότερα του έγραψε ότι θα του έδειχνε «τι μπορεί να κάνει μια γυναίκα».
3. «The Carousing Couple» της Judith Leyster
Η Ολλανδή ζωγράφος Judith Leyster έχαιρε μεγάλης εκτίμησης κατά τη διάρκεια της ζωής της. Μετά τον θάνατό της, όμως, η φήμη της επισκιάστηκε από τους άνδρες του περιβάλλοντός της και τα έργα της αποδίδονταν συχνά στον σύζυγό της Jan Miense Molenaer ή στον Frans Hals, ο οποίος θεωρείτο δάσκαλός της.
Ο εύθυμος πίνακας «The Carousing Couple», γεμάτος μουσική και άφθονο ποτό, φαινόταν να διαθέτει όλα τα χαρακτηριστικά ενός έργου του Frans Hals. Το 1892, όμως, ένας έμπορος τέχνης παρατήρησε ότι κάτω από την υπογραφή του Hals υπήρχαν τα συμπλεγμένα αρχικά «JL» και στη συνέχεια ένα αστέρι. Το αστέρι αποτελούσε λογοπαίγνιο με το όνομα Leyster, το οποίο προέρχεται από την ολλανδική λέξη που σημαίνει «πολικό αστέρι» ή «αστέρι-οδηγός».
Παρότι η ποιότητα των έργων της μπορούσε να ανταγωνιστεί εκείνη του Hals, η Leyster είχε ουσιαστικά διαγραφεί από την ιστορία της τέχνης, καθώς ένα έργο που αποδιδόταν σε διάσημο άνδρα ζωγράφο μπορούσε να πωληθεί ακριβότερα σε δημοπρασία. Η καριέρα της, όπως συνέβη με πολλές γυναίκες στην ιστορία της τέχνης, ήταν πολύ μικρότερη από εκείνη των ανδρών συναδέλφων της. Διακόπηκε ουσιαστικά από τις απαιτήσεις της ανατροφής πέντε παιδιών και από την ανάγκη να υποστηρίζει το έργο του συζύγου της. Θεωρείται πιθανό ότι συνεργάστηκε μαζί του σε ορισμένους πίνακές του, όμως η υπογραφή που εμφανιζόταν στα έργα ήταν πάντοτε δική του.
4. «God» της Baroness Elsa von Freytag-Loringhoven και του Morton Schamberg
Κατά τον 19ο και τον 20ό αιώνα, οι γυναίκες καλλιτέχνιδες εξακολουθούσαν συχνά να αντιμετωπίζονται ως ερασιτέχνιδες. Στο καθοριστικό δοκίμιό της του 1971, Why have there been no great women artists?, η Αμερικανίδα ιστορικός τέχνης Linda Nochlin υποστήριξε ότι ο κανόνας της ιστορίας της τέχνης είχε επί μακρόν καθοριστεί από μια «λευκή δυτική ανδρική οπτική», η οποία γινόταν αποδεκτή χωρίς ουσιαστική αμφισβήτηση. Ακόμη και το πρωτοποριακό κίνημα του Νταντά στις αρχές του 20ού αιώνα, το οποίο αμφισβήτησε τις αστικές αντιλήψεις για το τι μπορεί να θεωρείται τέχνη, δεν κατάφερε να ξεφύγει από αυτό το πρότυπο.
Ο Paul B Franklin, στο «Women in Dada» του 1999, το περιέγραψε ως μια «αποκλειστική λέσχη αγοριών», όπου οι γυναίκες αντιμετωπίζονταν περισσότερο ως καλλιτεχνικές μούσες παρά ως ενεργές δημιουργοί. Μία από τις παραγνωρισμένες πρωτοπόρους του Νταντά ήταν η εκκεντρική Γερμανίδα ζωγράφος, γλύπτρια, ποιήτρια και performance artist Baroness Elsa von Freytag-Loringhoven. Ξύριζε το κεφάλι της και το έβαφε κόκκινο, ενώ φορούσε ανδρόγυνα ρούχα κατασκευασμένα από αντικείμενα που έβρισκε και επαναχρησιμοποιούσε.
Το έργο της «God», μια φαλλόμορφη παγίδα υδραυλικών από χυτοσίδηρο που είχε τοποθετηθεί ανάποδα και στερεωθεί πάνω σε ένα κουτί φαλτσοκοπής, θεωρήθηκε ένα από τα πρώτα «readymades» — καθημερινά αντικείμενα που επαναπροσδιορίζονταν ως έργα τέχνης. Για χρόνια το έργο αποδιδόταν στον Αμερικανό καλλιτέχνη Morton Schamberg. Μόλις στις αρχές της δεκαετίας του 2000 το όνομα της Baroness προστέθηκε επίσημα στους δημιουργούς, έναν αιώνα πολύ αργά για να τη βγάλει από τη φτώχεια στην οποία είχε ζήσει. Ορισμένοι μελετητές έχουν επίσης υποστηρίξει ότι το περίφημο ουρητήριο του Marcel Duchamp, με τίτλο «Fountain» και την υπογραφή «R Mutt», μπορεί επίσης να ήταν δικό της έργο.
Η Irene Gammel, στο Baroness Elsa του 2002, επικαλείται μια επιστολή που έστειλε ο Duchamp στην αδελφή του Suzanne το 1917. Σε αυτήν ανέφερε ότι μία φίλη του, χρησιμοποιώντας το ανδρικό ψευδώνυμο Richard Mutt, είχε στείλει ένα πορσελάνινο ουρητήριο ως γλυπτό. Η Gammel υποστηρίζει ότι, παρότι δεν υπάρχει τελική απόδειξη για τη συμμετοχή της Baroness, υπάρχουν πολλά έμμεσα στοιχεία που παραπέμπουν στο καλλιτεχνικό της αποτύπωμα.
5. «Tomorrow Forever» της Margaret Keane
Η βιογραφική ταινία «Big Eyes» του 2014, σε σκηνοθεσία Tim Burton και με πρωταγωνιστές την Amy Adams και τον Christoph Waltz, αφηγείται την ιστορία της Αμερικανίδας καλλιτέχνιδας Margaret Keane. Οι χαρακτηριστικές κιτς φιγούρες παιδιών με τεράστια μάτια που δημιουργούσε πωλούνταν μαζικά στις αρχές της δεκαετίας του 1960 ως πίνακες, εκτυπώσεις και καρτ ποστάλ. Για χρόνια, όμως, θεωρούνταν έργα ενός άνδρα.
Η Helen Gørrill ανέλυσε 5.000 πίνακες για το βιβλίο της Why Women Can't Paint του 2020 και διαπίστωσε ότι όταν ένα έργο άνδρα φέρει υπογραφή, η αξία του αυξάνεται, ενώ στην περίπτωση των γυναικών συμβαίνει το αντίθετο. Η Margaret ήταν ντροπαλή, ενώ ο σύζυγός της Walter ήταν ιδιαίτερα ικανός πωλητής. Εκείνος την πίεσε να του επιτρέψει να βρίσκεται στο προσκήνιο της εμπορικής δραστηριότητας γύρω από τα έργα της και να παίρνει ολόκληρη την αναγνώριση για τους πίνακες, τους οποίους εκείνη υπέγραφε απλώς ως «KEANE». Μετά το διαζύγιό τους, ο Walter εξακολούθησε να επιμένει ότι ήταν ο δημιουργός των έργων.
Η διαμάχη οδηγήθηκε σε μια εντυπωσιακή δικαστική αναμέτρηση, κατά την οποία και οι δύο κλήθηκαν να καθίσουν μπροστά σε καβαλέτο και να ζωγραφίσουν ενώπιον του δικαστή. Ο Walter επικαλέστηκε πόνο στον ώμο και άφησε τον καμβά του κενό. Η Margaret, αντίθετα, ολοκλήρωσε σε λιγότερο από μία ώρα ένα παιδί με τα αμέσως αναγνωρίσιμα μεγάλα μάτια που χαρακτήριζαν το έργο της. Ο συγκεκριμένος πίνακας έγινε γνωστός ως Exhibit 224.
Η ιστορία αυτών των πέντε έργων δείχνει πόσο συχνά η συμβολή των γυναικών στην τέχνη αμφισβητήθηκε, παραμερίστηκε ή αποδόθηκε σε άνδρες και πώς, μέσα από νέες έρευνες, συντηρήσεις και επαναξιολογήσεις, πολλές δημιουργοί αρχίζουν πλέον να ανακτούν τη θέση που τους ανήκει στην ιστορία της τέχνης.
Πηγή: BBC
